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"Transmutaciones" 1999 Manuel Zumbado, Museo de Arte Diseño Contemporáneo, Costa Rica

1999

El arte de la instalación se inicia en los cincuentas y es una de las más recientes manifestaciones en el arte en constante crecimiento y ebullición.

Todo el ciclo de desarrollo artístico se inicia en las paredes irregulares de las nuevas de Altamira y Lascaux, con simples y gloriosos dibujos que registran la acción del cazador y sus presas de este punto el arte evoluciona hasta llegar al Siglo XVI, en donde hasta entonces la expresión artística ha sido casi siempre parte integral de la arquitectura, plasmando eventos importantes socio-políticos y religiosos.

El artista inicia la creación de la pintura portátil ya que de ser artesano dependiente de un patrón, un papa o un emperador, pasa a ser artista independiente ganando así su libertad de expresión y la posibilidad de trabajar en su propio estudio. El artista ya puede transportar y ofrecer sus obras a más clientes y dejar de trabajar solo por comisión.

El intercambio comercial trae como resultado la creación de Museos y Galerías.

Toda vez inspirados en la Guernica de Picasso inician las obras de proporción heroica como las de Jackson Pollock y Barnett Newman, Frank Stellar artista norteamericano, libera el formalismo del rectángulo presentando formatos en diversas formas geométricas y los trabajos de Segal y Kaprow introducen de nuevo en el arte de la energía y fuerza de vida del medio ambiente. En los años 60 s y 70 s el arte se transforma en expresión más conceptual y las posibilidades intelectuales se expanden a lo largo de todo este siglo, dando inicio a la creación de la obra de arte conceptual virtualmente invisible, a las instalaciones efímeras, y a la mezcla de técnicas no tradicionales que incorporan imágenes en movimiento; viene un giro de apertura a experiencias diferentes a las tradicionales que insisten en penetrar en el mundo de lo cotidiano.

Los museos y las grandes galerías se han convertido en los patrocinadores de la gente creativa que investiga la estética "avanzada" con nuevos valores- y de propuestas experimentales que buscan provocar al espectador haciéndolo sentir espacios reales y no símbolos alusivos.

Los artistas que trabajan técnicas no convencionales como las instalaciones, se han convertido en los exploradores de la nueva generación, que irrumpen en un campo duro de lograr, ya que su sello no comercial dificulta la posibilidad de financiamiento.

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica tiene el orgullo de presentar al borde del nuevo siglo, a uno de esos exploradores Manuel Zumbado cuya obra prolonga la experiencia humana y crea situaciones reales que permiten al espectador ser parte de la experiencia artística. Al espectador se le presenta la posibilidad de integrarse a espacios y circunstancias creadas por el artista que promueve una vivencia humana, y arman un puente una prolongación entre las fantasías, costumbres, expectativas y el mundo real de lo cotidiano del ser humano en sociedad.

En esta ocasión el artista utiliza la luz, la interacción espacio espectador y el proceso mental de imágenes impregnadas culturalmente en su experiencia interior, a través de lo experimentado en el costumbrismo y los Festejos Populares de nuestro país, Costa Rica.
El espectador es introducido como arte y parte de la obra artística.

Zumbado integra al visitante atrayéndolo por la curiosidad y la emoción sorpresiva, sirviéndose de un cuerpo y acción para hacerlo vivir individualmente un proceso correctivo.

Son estos artista exploradores los que llevaran a al experiencia artística hacia puertas desconocida en le mundo de la expresión imaginativa, que cada día tiende mas a involucrar al espectador, obligándolo a abandonar cada vez con mayor fuerza su posición pasiva-recptiva que tradicionalmente ha asumido.

Bienvenido el nuevo milenio un aplauso a quien toma el riesgo de dar nuevos pasos. Necesitamos gente atrevida e innovadora en el campo de la expresión artística.

Debemos tener una mente abierta, madura y espontanea para poder recibir con naturalidad y sin perjuicios escenas o prolongaciones de la vida privada del ser humano en la lucha por sobrevivir.

El artista en su arte frecuentemente desnuda el alma y pone al descubierto su mundo interior, su esencia que es única en cada uno de nosotros, pero que en resumen habla de dolores, alegrías y placeres que todos hemos vivido.

Arq. Rolando Barahona
Director

"Transmutaciones" 1999, Frente al descrédito

1999

Utilizando como punto de partida la cultura popular, sobre todo aquellos encuentros de ilusión que tantas veces nos maravillan en las fiestas de fin de año en Zapote Manuel Zumbado medita en sus instalaciones acerca de una de la actitudes humanas primarias: la fascinación con lo inexplicable.

El espacio arquitectónico toma cuerpo como una caja mágica de ilusiones y se convierte en el sitio idóneo en el cual Zumbado replantea su viejo interés por la fotografía experimental de fines de siglo y los inicios de la cinematografía, la cual logra finalmente crear y proyectar diversas ilusiones visuales y nuevas realidades míticas.

Desde tiempos inmemoriales el ser humano, a través de las diferentes mitologías y construcciones religiosas, ha comunicado su deseo de transcender y mutar en un ente mágico o elemental. Intentó tener acceso a las fuerzas esenciales de la naturaleza, viviendo entre la fascinación y el miedo que le produjo el misterio de aquello que escapaba a su comprensión.

Para trabajar en este tema, este artista se ha interesado en las representaciones precolombinas que unen lo antropomorfo con lo zoomorfo y en las leyendas o narraciones de la época de la Colonia como la Segua o la Tule Vieja. Se interesa también en las historias que escuchó en su infancia como es el caso de la figura en El Coco, con la cual las madres atemorizaban a sus hijos. Zumbado empleó como referente este rasgo cultural la elaboración que de él efectuó Francisco Amighetti en su libro Francisco en Costa Rica, para cuya ilustración el artista ejecutó un grabado en donde El Coco (Diablo) cubre su rostro con una máscara, elemento empleado desde tiempos inmemoriales para apropiarse y trasmutar en otra naturaleza.

Estas experiencias relacionadas con el temor, se unen con la fantasía de lo mágico de las fiestas populares de la literatura y el cine. Sin duda alguna, presenciar y experimentar la vivencia de la Casa de los sustos o La Mujer sin Cabeza; sufrir en la butaca de un cine viendo El Hombre Lobo o leer Nosferatu, nos introduce en esa región inexplicable en donde la realidad y el sueño, el miedo y el asombre, actitudes omnipresentes en la cultura humana desde tiempos arcanos, nos permite por instantes trascender la dimensión de la conciencia e introducirnos en la regiones de lo irracional.

La historia del arte desde sus primeros momentos nos ofrece en la representación del chaman la alteridad hombre-bestia, en la que la transformación y el zoomorfismo se alternan con la imagen humana. Durante muchos siglos el cristianismo en su iconografía vistió al mal y al pecado con las prendas de la mostruosidad temible y, en épocas más recientes, lo humano asociado con la bestialidad aparece en la obra de Goya, Ensor y Bacon, o en filmes como El Gabinete del doctor Caligari de Robeert Wiene que plantean la misma idea.

Manuel Zumbado renueva su interés ya probado en el ejercicio de la instalación, forma artística contemporánea, y en la que ha experimentado con el video como parte integral del concepto. Al practicar este tipo de arte Zumbado sigue el sendero que han trazado artistas del siglo XX como Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Nam June Paik y Bill Viola.

Zumbado ha preparado entre 1993 y 1997 varias instalaciones para diferentes museos en Costa Rica como es el caso de la realizadas para los Museo de Banco Central, el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, el Museo de Arte Costarricense y el Instituto Goethe. En el exterior efectúo una instalación para la Merdith Kelly Gallery otra para la V Bienal de la Habana. En todas ellas la inclusión del video jugo un importante papel.

En las postrimerías del siglo, en tiempos de confusión y crisis, en un momento en que se habla del cambio de milenio en términos a veces fatalistas; los temores y creencias ancestrales toman una nueva dimensión en la vida social y se infiltran también en el diario acontecer de los seres humanos.

Frente al descrédito de lo racional, recrear estos sentimientos, desde el ámbito artístico se constituye en una reflexión sobre la condición humana. Condición que, pese a su gran desarrollo en muchos campos, continúa plagada de los mismos atavismos y temores que parecen ser consustanciales a la estructura misma del pensamiento humano y que le acompañan desde la alborada delos tiempos.

Ileana Alvarado
Efraím Hernández
curadores 1999

Textos "Estructuras" 1997

1994

Zumbado frequently combines video and installation work with his paintings as part of his desire to involve, incite and engage the viewer.

Zumbado frecuentemente combina video e instalación con su pintura, todo es parte de su deseo de incitar, involucrar y comprometer al espectador.

Kathleen McCloud
Pasatiempo. December 20, 1996

"En Manuel Zumbado conviven varios artistas. Al creador de videos y al video-instalador los encontramos tras un arduo recirrido por las laderas del conceptualismo.
El diseñador gráfico emerge a la sombra de la comunicación masiva y sus métodos.El pintor es otro y todos ellos".

"Several artistis coexist in Manuel Zumbado. We may find the creator of videos and the video-installer after travelling through the arduous tracks of conceptualism.
The graphic artist rises from the ledges of mass communication and its methods. The painter is someone else and all of them".

Klaus Steinmetz
Crítico de Arte 1993

I followed the devellopment of his art. I think he is one of the most promising artist of his country.

He seguido de cerca el desarrollo de su obra y pienso que él es uno de los más prometedores artistas de su país.

Dr Norbert Nobis
Sub-Director - Sprengel Museum Hannover 1994

"Estructuras" 1997 Notes on Manuel Zumbado´s Video Installations

Together with an aggressive, energetic and convulse painting based on gesture and heavily condensed surfaces, Manuel Zumbado has incorporated installation and video as important vehicles of his artistic expression.

In 1991 he presented an installation at the Enrique Echandi Gallery which included a video based on his meditations concerning war in Central America. PAZ EN CENTROAMERICA (Peace in Central America) was also included within the group of works of Costa Rican artists selected by the Museum in Hannover, Germany for an exhibition which stayed for more than a year in this country visiting several other museums.

PAZ EN CENTROAMERICA established a dialogue between the spectator, invited to get involved, by the presence of an empty chair facing a monitor cuddled in the lap of a colorful Central American hammock, broadcasting scenes of war combined with the astonished stare of the artist, his restlessness and fury projected by the gestural marks traced over the aching eyes of an impotent witness.

In 1992 , DIALOGOS (Dialogs) at the GOETHE INSTITUTE in San José, consisted of an overall installation which emphasized the idea of the contradiction between what is said and what we actually see with regard to ecological problems and the protection of Nature in Costa Rica. The dichotomy established between these two different sides of the same problem was the dominating idea. Two monitors facing each other staged the contrast offered by these two dissimilar attitudes. The concept of the staring witness, the political position and the revealing content follow the attitude of PAZ EN CENTROAMERICA.

In 1993 Zumbado was awarded the Aquileo J. Echeverría, distinction given by the Ministry of Culture to the best exhibition of the year; on this occasion Manuel Zumbado presented an exhibition which included painting and installation at the galleries of The Central Bank Museums.
ATRAPADOS (Trapped) played with the idea of imprisonment through the images of a captive dog, secluded at the bottom of some drums within the boundaries of monitors which played the video at serial timing transforming the torment in an endless action.

The animals in ATRAPADOS had a close relationship to the images on the painted surfaces; a visual metaphor of human greed, violence and aggressiveness.

PARAISO (Paradise) was part of this same show and consisted of a series of slides projected on three adjacent walls staging life within a pigpen from sucking newborns to ready for the butcher. PARAISO bitterly comments on the programmed lives of many men in our modern societies.
Zumbado's growing interest for video installation is born out of a certain insatisfaction the artist has developed concerning painting and its possibilities of expression. It has also sprung out of his fondness with the work of certain contemporary artists such as Bruce Nauman, Wolf Vostell, Naum june Paik and the Venezuelan José Antonio Diéz. Videos, images, books, exhibitions, discussions and a permanent attitude towards renovation nourish his new form of expression.
On May 1994, Zumbado attended the Fifth Biennial in Havana, Cuba, where he staged a butchery like scene in which roughly carved wooden pigs hooked on the ceiling, "dripped" blood into video monitors placed under the slabs. Powerful and despairing this critical view of society was completed by paintings on the surrounding walls dominated by butchery like images.
A year later, in 1995 the same installation was presented at the Museo de Arte y Diseño Contemporáneo in San José as part of a collective show featuring participation of Costa Rican artists in different biennials celebrated in the last two years. This time the paintings where not part of the installation, the sculptures alone with the monitors conveyed the artist's idea to the spectator.

It is in 1996 that the Meredith Kelly - Latin American Fine Art Gallery in Santa Fe - held a show which included paintings and an installation named LA CONTRADICCION (The Contradiction). On this occasion Zumbado built a feeble bridge - architectural structure - strong metaphor for the organization of society and our perception of its structures. The enormous size of the bridge became an intrusion inside the space where it stands emphasizing the power and oversized proportion of institutional entities in western societies.

This particular work of the artist can easily be associated with the art of certain contemporary sculptors who are heading towards a type of sculpture conceptualized and named under the label "architectural sculpture" by professor Irving Sandler in his book Art of the Postmodern Era, published by Harper Collins in 1994.

This type of sculpture spins around the idea of the building of structures strongly linked with architecture. It is represented by artists like Siah Armajani in works such as Bridge Over a Nice Triangle Tree (1970 ) or The Art of Bridge Making (1980). Both Zumbado's and Armajani's structures share similarities since they have been based on the concept of "construction of architectural structures" as a metaphor of man's progress and both use the vernacular in the very process and means of its making.

We can also relate Zumbado's sculptural work to that of British artist Ian Hamilton Finley, particularly to the work shown as part of the Inter Arts et Natura (1988) in which bridge-like structures transform the primitive branch into the well polished beam, and in doing so, both review the history of human technology.

We can also relate Zumbado's work with Nat Gooden's invasive structures exhibited in 1990 at Matt's Gallery in London. On the other hand there is a particular affinity in concept as well as form with the installation work of Tadashi Kawamata, exhibited at the Ann Juda Gallery in London in 1990, this installation placed a particular emphasis on structures closely associated to the ideas of demolition and renovation and it "invaded" the gallery's internal space as well as the outside of the building, projecting itself to the street.

Zumbado's bridges obviously address the concept of links; connecting roads, leading ways, whether social, individual, political or ideological. In CONTRADICCION two monitors on both ends of the structure present an all-seeing eye and a non stopping mouth babbling incomprehensive sounds, these images remind us of the ideas in DIALOGOS (1992) expanding the concept to enrich its possibilities of interpretation within this new context.

The frail condition of the bridge speaks of Zumbado's worries about the quality and usefulness of structures of all sorts in western civilization, at the same time it opens to optimistic as well as pessimistic reactions concerning the idea of worn out systems and structures in our culture.
LOS OJOS DEL SEÑOR VELAN SOBRE ESTE HOGAR (The eye of the Lord watches over this home) ( October 1997) is Manuel Zumbado's more recent installation at the Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, this time the spatial relationship between the "bridge" and the space where it stands emphasizes the feeling of an structure which leads to emptiness by abruptly ending in an open abyss.

The structure itself is broken in the middle of its way and within the open space a monitor shows images of hard working men building a brand new ready made bridge. Hope or uncertainty, despair or optimism; the possibility of building new solid structures or just constructing all ready prepared systems will lead the spectator to personal involvement and individual response thus impregnating Zumbado's work with the idea of freedom and individual participation. The work of art and the possibility of building a future where critical attitudes will help men to become the architects of their own lives.

There is a dimension which includes time and history in this bridge and it does not exhaust itself in the rickety structure or in the feeble conditions of materials. Time and the historical make themselves be felt in the contrast between the old which belongs to the structure and the contemporary, represented by the monitor showing the men working with modern technologies. Thus past and present, old and new meet in the contrasting images, materials and physical condition of the objects themselves.

The collision between past and present, primitive structures and monitor, brings about the clash of two cultural repertories, the crash of two spheres of the technical; the bump between two different worlds where past and present constantly intertwine.
The historical dimension can also be inferred from the tension developed in the opposition between inertia and motion made evident by the instability of the changing image in the monitor against the physical forms of the broken structure.

This very same year 1996, Zumbado presents EL PUENTE (The bridge), a new video installation at the Museo de Arte Costarricense, this time a camera records the image of the structure of a bridge painted on the opposite wall, as the spectator approaches the camera's scope the structure is replaced in the screen by his very image.

This ingenious idea questions the viewer in relation to the structure now displaced and replaced by his own image, the spectators responsibility and link to the "bridge" becomes evident and it also questions the structure within the face that watches directly from the monitor.
Simple, rich, direct, EL PUENTE expands the possibilities for the interpretation of Zumbado's images.

In 1997, Manuel Zumbado continues the development of his ideas in painting as well as in installation. This year he shows paintings and installation simultaneously at the Joaquín García Monge Gallery (National Theater) and at the Goethe Institute in San José.

Zumbado's pictorial work carries on the images of bridge-like structures showing change and persistence at the same time. Permanence in the structures themselves and change in the quality and condition of the pictorial surfaces filled with the convulsive and agitated downfall of the collapsed structures; this feeling sensation goes beyond the very limits of the image itself and spreads all over the surfaces invading the whole frantic pictorial space and flooding its boundaries with chaos and disaster.

Zumbado's paintings are now much more abstract than ever before, in fact there is no need for any image to convey the roaring storm like energy which overflows with convulsive strokes giving way to a tempestuous explosion of ferocity that materializes on the canvases. The deliberate restrictions in color and the resultant atmosphere focus the action in the breaking point, from there it furiously expands to the whole area creating chaos everywhere: The collapse becomes a fact we witness in the midst of the violence which haunts us from the painted surfaces.

In these paintings all reference to particular circumstances vanishes and Zumbado reaches a timeless dimension from which he questions humanity and its responsibility towards history, touching the very heart of human violence.

According to Zumbado's opinion history develops in cycles and humanity can move straigthforward or backwards depending on the awareness and care present in a given span of human history, decisively man is responsible for the direction he gives to his own destiny.
In order to transmit this idea in his new installation he uses images and concepts that were explored in the past by Edward Muybridge, who tried to analyze 'movement' departing from still photographs in experimental work based on serial images photographed and then "reconstructing" the process of movement by means of a "Phenakistoscope" or "zoetrope" based on the rotation of cylinders or dishes with serial images obtained through programmed photography.

Following the example Zumbado accomplishes the illusion of motion through the demonstration of the synthetical analysis of movement photographed from life. Thanks to this device Zumbado creates in his installation an illusion of dynamism in the image of a man moving on top of a series of structures at different speeds and in different directions, through this process Zumbado constructs the images that comprise the visual metaphor of man's responsibility in history's development. Every type of structure, whether political, social, religious or ideological is built by man as he "constructs" the building of history.

INTERVENCIONES (Interventions) is accompanied by a series of drawings and it expands until it appropriates the building itself; the viewer will see with surprise how Zumbado "takes" the Goethe Institute building in an action similar to those of Christo. Zumbado's bridge prolongs itself from the building's front towards the street, incorporating itself to the urban landscape.
This type of artistic action is quite unusual in our country that is why the contribution of the Goethe Institute is certainly invaluable in helping the development of contemporary attitudes and ideas within the boundaries of our artistic "milieu", it proves the genuine interest of the institution of compromising with the artistic development of serious experimental contemporary art in the country.

This attitude contributes to foster social experience of the artistic through "public art".
Manuel Zumbado's art derives from the admiration and thinking originated around his knowledge of the production of artists like Klaus von Bruch, Olaf Metzel y Dieter Kiessling whose work has been included in important exhibitions like Metropolis celebrated in Berlin (1991). Serious important books on the subject like Video Sculpture Retrospektive und Aktuell (1963-1989) published in Köln, Germany by Dumont Publishers have also been a source of inspiration for the Costa Rican artist.

Strong, explicit, thoughtful, critical but poetic Manuel Zumbado's structures show the work of an inquiring artist full of vitality and strength continuously searching for new ways of expression and keeping the consistency of his critical attitude towards life and existence.
Efraím Hernández Villalobos.- Historiador de Arte., July 1997.

Texto Web Museo de Arte y Diseño Contemporáneo

En la pintura e instalaciones que dieron inicio a su carrera, este artista abordó una particular temática de lo animalístico: la bestia, era el sujeto en inminente acecho. En adelante el tema logró influir otras manifestaciones suyas como la video-instalación, se propuso afectar la psique del espectador con singulares ambientes y objetos; la fiera que se apropia y transmuta al Yo, lo salvaje --reminiscencia neoexpresionista-- a contrapelo con un ser desposeído (minimizado por el pathos); la dicotomía del poder-no poder.
En las instalaciones con maderas, añade a la memoria fragmentada del material la oposición entre lo edificador y lo entrópico; puentes derruídos por la violencia que se posesiona de su estructura, la deconstruye y evoca un nuevo giro al sentido de lo indómito.
Luis Fdo. Quirós, director de proyecto, curador

"Identidad Nacional o el pecado de Narciso" Ana Beatriz Fernández, LA NACION

A partir de mañana comienza la exposición Frontera Imaginaria, en la Galería Sofía Wanamaker, del Centro Cultural Costarricense Norteamericano. La ocasión reúne a siete artistas plásticos costarricenses quienes abordan el tema de la identidad nacional.

Los "ticos" pecamos de Narcisos y para colmo de males no somos tan bellos. Estamos enamorados de una imagen propia que no es idéntica, no es la reflejada por el espejo. Esa identidad interiorizada como la propia en el fondo es una imagen distorsionada. Al menos así lo perciben los artistas plásticos reunidos en la muestra Frontera Imaginaria.
Para ellos, creadores, surgió la pregunta de qué somos, cómo somos y por qué somos; la respuesta no fue ni positiva ni halagüeña.

Curaduría en jefe

La inquietud partió de Vivianne Loría, graduada en Historia del Arte en la Universidad de Costa Rica y curadora de la exposición. Desde noviembre pasado, ella, junto a Pedro Arrieta, Victoria Montero, Joaquín Rodríguez del Paso, Claudio Fantini, Emilia Villegas, Jorge Albán y Manuel Zumbado emprendieron el reto de crear su versión plástica de la identidad costarricense.
Ellos dicen que es la primera vez que un grupo de artistas plásticos se reúne a trabajar comandados por la batuta de una curadora en jefe. Según Jorge Albán "la relación fue netamente dialogal", durante la cual Loría realizó varias visitas a los talleres para curar la exposición en la marcha.

Las flores del mal

La obra de Joaquín Rodríguez del Paso representa un jardín. Su propuesta consiste en tres cuadros (aunque no es un tríptico) de flores exóticas y hermosas pero a la vez amenazantes. Estas se van descomponiendo hasta expresar su verdadera esencia.
Para él tiene que ver con la Suiza centroamericana, el jardín de América, el paraíso terrenal, el país sin ejército y por tanto pacifista, y la democracia por excelencia. Todas definiciones-lugares comunes del credo tico de la supuesta "superioridad".
Victoria Montero también recurre a elementos referidos a la naturaleza pero incorpora la figura humana: en una cama de guarias moradas yace un niño rubio y regordete. Ella critica el que "los costarricenses seamos lo que los otros nos dicen que somos y esas características son casi siempre estereotipos".
El ideal de la identidad no solo se relaciona con el color de la piel sino con la cultura comercial de los Estados Unidos. La artista crea su obra inspirada en la iconografía de las etiquetas y anuncios de productos importados del vecino del Norte, de finales del siglo pasado y principios de este.

'Porta a mí

Pedro Arrieta hace un estandarte en el cual combina expresiones cotidianas tipicamente costarricenses. Esas que nos hacen sonreír avergonzados porque connotan una actitud displiscente y desapegada de nosotros mismos. "De por sí", "porta a mí", "si lo decís me quito", "puretada de gente".
Para Arrieta estas frases desdicen al costarricense, ese lenguaje nos evidencia: "Los ticos no asumimos compromisos, ni somos exigentes y no nos hemos detenido a pensar adonde nos llevará esa actitud ante la vida".
Emilia Villegas habla sobre la indiferencia pero desde la perspectiva del poder. En una obra titulada Los nublados del día se refiere a algunos monumentos de próceres de la patria, entre ellos, los de León Cortés y Daniel Oduber. A Juan Santamaría lo baja de su pedestal.
Villegas patentiza la relación irónica entre la grandilocuencia del discurso político y la actitud indiferente de los oyentes. Para ella la ingobernabilidad se trata de disimular con la proliferación de imágenes. "Son intentos de la oficialidad por contener, por hacer presente lo que es ausente."
Jorge Albán diseña su obra partiendo de la inseguridad ciudadana. Para ello fotografía casetillas de guardas pues "son parte definitoria del paisaje urbano actual" y las contrasta con la violencia interior simbolizada con un grotesco tatuaje de un ángel empalado. Toma los colores patrios rojo, azul y blanco para darles contenidos diferentes. Así dejan de significar el valor, la nobleza y el pacifismo para convertirse en significantes del miedo a la creatividad y a la confrontación . "Somos una pequeña patria limitada."

Sin Norte ni Sur

Claudio Fantini construye una calecita de siete caballos con la forma del mapa de Costa Rica, que gira hacia un lado y hacia el otro. Encima hay un gran paraguas al revés que contiene el agua a punto de desbordarse.
Este carrusel no concibe una dirección determinada: "es un movimiento que no lleva a ninguna parte, como si la dirigiera una brújula extraviada", dice Fantini.
Finalmente las estructuras de madera de Manuel Zumbado siguen obsesionando su creatividad. En este caso, asegura el artista, se trata de las estructuras del sistema costarricense. "Son andamios viejos y somos testigos de su deterioro." "El puente no es malo. Lo malo es que uno vaya por la mital del puente y se caiga."

"Las culturas son mapas de significado que vuelven intangible al mundo"
PETER JACKSON, geógrafo 1989, National Gaeographic.

"Los sueños y las pesadillas están hechos de los mismos materiales, pero esta pesadilla dice ser nuestro único sueño permitido: un modelo de desarrollo que desprecia la vida y adora las cosas"

Eduardo Galeano, "Ser como ellos" 1992